We used to be friends...

A long time ago, we used to be friends.

Era com essa frase que a música de abertura indicava o início de uma das melhores séries dos idos dos anos 2000, mais precisamente entre 2004 e 2007: Veronica Mars!

Nela brincávamos de detetive com a personagem título - interpretada pela bela Kristen Bell - no modelo caso da semana + caso da temporada, este último que se desenrolava ao longo dos episódios. Foram 64 no total, distribuídos em 3 ótimas temporadas que deixaram seus fãs, conhecidos como 'marshmallows' (preste atenção a uma homenagem logo no início), tristes e sem um final satisfatório. Na época os rumores foram que o criador Rob Thomas escrevera um roteiro para o filme que mostraria o final definitivo, mas que nunca foi aprovado pelos executivos da Warner.

Pois bem, 9 anos se passaram e a força/insistência dos 'marshmallows' saiu vitoriosa: na mais bem sucedida campanha do Kickstarter quase 100 mil fãs contribuíram em apenas 1(!) dia com os milhões necessários para que o longa acontecesse. E na última sexta, dia 14, Veronica Mars - The Movie foi disponibilizado em cinemas nos EUA e on demand, na internet. E como é bom revisitar Neptune!

A equipe reunida!

Roteirizado pelo próprio Rob Thomas, encontramos os personagens nove anos depois dos eventos do último episódio. Veronica vive em NYC com Piz, que trabalha em uma rádio. A jovem tem uma vida trivial e, quase formada em direito, busca emprego num dos maiores escritórios de advocacia da cidade... Mas é aí que um crime envolvendo Logan Echols a faz retornar à Neptune que havia deixado para trás. O ex é acusado de matar sua atual namorada, uma cantora pop de sucesso (e que também estudou com Veronica).

O retorno à cidade dá a deixa para o aparecimento de diversos personagens que conhecêramos anteriormente, dando ao fã antigo um sentimento de nostalgia emocionante. São várias as referências e Rob Thomas as torna muito bem inseridas dentro do contexto do crime, que segue os passos de uma das antigas temporadas condensado em apenas duas horas. É divertido saber o que aconteceu com Weevil, Wallace, Dick, Mac e Keith Mars. Thomas concebeu uma pequena introdução que traz um resumo para situar aqueles que nunca ouviram falar da jovem detetive. Percebe-se nos atores a diversão que deve ter sido retomarem seus antigos personagens! Destaque para Dick, com seus comentários hilários.

É fato que o pouco tempo (quase 2 horas) torna o desenvolvimento bem mais expositivo, mas nada que atrapalhe na diversão. É um bom filme de detetive e uma ótima forma de revisitar a série.

O filme amarra todas (ou quase todas?) as pontas soltas. Seria esse um sinal de que talvez vejamos mais da família Mars no cinema? Bom, é aproveitar esse e esperar para ver o que nos guarda o futuro...

DIRETO DA TELONA: Pompéia

Quando se fala da cidade de Pompéia, a cidade do Império Romano que foi destruída pela erupção do vulcão Vesúvio em 79 d.C e cinema, imagine-se um filme grandioso, ainda mais atualmente com todos os recursos de efeitos especiais, porém, o filme de Paul W. S. Anderson, diretor de Resident Evil e o último Os Três Mosqueteiros é um filme fraco e tedioso.

O ruim desses filmes catástrofes é que todos sabemos o que acontece no final, mas quando o roteiro e o desenvolvimento do filme não ajudam a contar essa história conhecida por todos, os momentos no cinema que deveriam ser de diversão se tornam uma tortura!

Kiefer Sutherland - Jack Bauer do mal

A história de Pompéia (Pompeii - 2014) tem início alguns anos antes do fatídico dia, quando o jovem Milo vê toda sua família ser assassinada pelo exército romano comandado pelo general Corvus (Kiefer Sutherland) que está combatendo os Celtas que estão impedindo as rotas comerciais romanas. O jovem Milo então, único sobrevivente, acaba virando escravo e consequente gladiador, conhecido por "O Celta"!

O rapaz se torna imbatível nas arenas romanas e acaba indo disputar batalhas na cidade de Pompéia. No caminho, ele acaba se encontrando com Cassia (Emily Browning, de Desventuras em Série) e o flerte entre o escravo e a herdeira da realeza é inevitável. O que eles não contavam é que o agora Senador Corvus, que deseja se casar com a jovem Cassia, chega em Pompéia e tenta colocar um fim no suposto romance. Vendo no jovem Celta uma ameaça para seus planos, planeja sua morte na arena da cidade durante os jogos entre os gladiadores, na qual um deles, Atticus (Adewale Akinnuoye-Agbaje) está prestes a ganhar a liberdade, bastando vencer mais um combate!

Atticus e Milo - inimigos que viram amigos - clichê

Os dois porém, se tornam amigos, e apesar do desafio, acabam lutando do mesmo lado na batalha que será a última que a cidade de Pompéia verá, pois durante a luta, o Vesúvio entra em erupção.

Cassia e Milo - amor eternizado?

O chato do filme é que mesmo com toda a destruição em volta, ainda temos que aguentar uma luta sem sentindo entre Milo e Corvus e entre Atticus e Bellator (Currie Graham). As interpretações são demasiadamente caricatas e Kiefer Sutherland está irritantemente como Jack Bauer do mal.

Nem os efeitos especiais, que passam longe de serem incríveis, salvam esse filme que poderia contar a história de um dos maiores desastres naturais  de forma apropriada!

Vivo ou morto, você vem comigo!

Robocop (2014) não é um remake comum. Ao contrário da maioria das releituras de filmes antigos, que sofrem ou por copiar demais o original ou por ignorá-lo por completo, a estreia de José Padilha em Hollywood sabe balancear bem a homenagem ao cult de 1987 e a criatividade ao redor do personagem título, trazendo uma nova história que dialoga com o mundo de hoje.

Em 2029, a Omnicorp detém o monopólio tecnológico dos drones, robôs que auxiliam na manutenção da paz. Entretanto, devido a uma lei específica, os EUA não permitem que os mesmos atuem em seu território, já que os robôs são desprovidos do livre arbítrio, agindo dessa forma somente de acordo com suas diretrizes. A multinacional decide então colocar o homem dentro da máquina e quando o jovem policial Alex Murphy sofre um atentado que o mutila, os engravatados oferecem à esposa do mesmo uma possibilidade de trazer seu marido de volta.

Padilha e o roteirista Joshua Zetumer fazem escolhas interessantes desde o início do longa, usando a mídia televisiva para auxiliar no avanço do enredo (o que já acontecia no original) mas de uma forma mais específica e contundente, focando na pessoa de um apresentador sensacionalista (alguém lembrou de Tropa de Elite 2?). Além disso, no novo filme a introdução do policial Murphy é um pouco maior e sua família passa a ter uma inclusão mais ativa na trama, algo interessante e que confere ao personagem mais camadas.

A evolução do enredo também inova ao enfocar um ser humano que não quer se tornar máquina (ao contrário do primeiro que era sobre um robô que queria voltar a ser humano). Temos uma pessoa que é modificada para virar um robô e, para isso, deve ser sobrepujada pelo seu sistema operacional, perdendo o seu lado humano, conseguindo assim oferecer os mesmos resultados e o grau de eficiência dos drones da Omnicorp. O filme traz o personagem Dennett Norton, espécie de Dr. Frankenstein do novo Robocop. Como eu disse, mais e mais camadas para abordar o mundo armamentista, onde a ciência avança e gera questionamentos sobre os limites para tal avanço e a influência que conglomerados multinacionais - amparados ou não pela mídia imediatista - nos assuntos reconhecidamente de responsabilidade de cada nação.

Padilha e o montador Daniel Rezende investem em uma montagem bacana, de ritmo ágil, conferindo a esse a mesma sensação de urgência do original. Todo o didatismo, necessário em alguns momentos, se dá por belos efeitos da visão em primeira pessoa de Murphy/Robocop, cenas essas que levarão os fãs de games ao delírio. O policial do futuro mantém seu 'barulhos mecânicos', mas está inegavelmente mais rápido e com uma destreza de dar inveja a qualquer artista circense. Nada que atrapalhe ou destoe (muito) na trama.

As homenagens são pontuais, mas muito bem empregadas. Inserções da fantástica trilha de 1987, o primeiro protótipo da 'roupa' cibernética, o nome do parceiro, e mesmo algumas cenas, como a invasão de um ponto de produção de drogas, tudo muito orgânico e sutil. E sim, a famosa frase-bordão surge, já próximo do final, deixando claro que sim, a produção respeitou o cult, mas não se resignou a fazer uma cópia.

Robocop é um bom filme.  Fã do original ou não, não deixe de dar uma chance a esse longa. Ele é o futuro da polícia. Ele é o Robocop.

DIRETO DA TELONA: Operação Sombra - Jack Ryan

Tom Clancy, autor de grande sucesso nos Estados Unidos por suas aventuras de conspirações da Guerra Fria, é o criador do agente Jack Ryan, que chegou as telas algumas semanas atrás na nova aventura do personagem – Operação Sombra – Jack Ryan. Talvez esse seja o mal do filme: apenas o personagem tem fundamento, mas o roteiro...

Personagem já vivido no cinema por Alec Baldwin, Harrison Ford e Bem Affleck, agora interpretado pelo Capitão “J.T. Kirk”, Chris Pine, em uma performance que não empolga.

Acredito que a culpa não recaia totalmente sobre Chris Pine, que é muito competente ao dar vida à um ícone da ficção científica, mas que sofre para convencer como o agente da CIA. Culpo única e exclusivamente o roteiro.

A história começa com os ataques terrorista de 11 de setembro e um Ryan que larga o doutorado em economia para se juntar as forças militares que invadem o Afeganistão. Durante uma missão, ele é ferido ao tentar ajudar um dos soldados de seu pelotão.

Durante a recuperação em um hospital, ele se "engraça" com a personagem da Keira Knightley - sem graça - e recrutado por um Kevin Costner - mais fanfarrão do que nunca - para trabalhar para a CIA infiltrado em Wall Street para verificar possíveis transações suspeitas que visam financiar terrorismo.

Elenco insípido

Seria bem interessante a premissa se o inimigo da vez não fosse a boa e velha Rússia. Como em "A Soma de Todos os Medos", um russo descontente se revolta contra o imperialismo americano e resolve detonar tudo nas terras do "Tio Sam", mas dessa vez através da economia - quebrando a moeda americana!

Kenneth Branagh - vilão e diretor com
contas para pagar!

Um mote até plausível em tempos de mudanças importantes na economia, quando muitos acreditam que em 20 anos os Estados Unidos serão superados pela China como maior economia do mundo. O problema do filme está na execução - enquanto em "A Soma de Todos os Medos" é corajoso e chega as vias de fato com um explosão nuclear em solo americano, aqui temos um Kenneth Branagh - que faz o vilão e também assina a direção - pra lá de incompetente!

Arma um atentado terrorista para desestabilizar o coração financeiro do mundo comandado por seu filho de forma muito amadora!

Chris Pine: Jack Ryan não convenceu!

E nosso Jack Ryan da vez, não convence como sendo um cara inteligente e ao mesmo tempo forte o bastante pra enfrentar terrorista que estão se preparando a tempos para esse feito histórico!

E venhamos e convenhamos: apesar de todo histórico relevante da Russia na Guerra Fria, já está na hora de o Sr. Jack Ryan mudar de inimigo, apesar de todas as rusgas que a relação entre Estados Unidos e Russia.

A nova aventura do personagem de Tom Clancey é, para dizer o mínimo, insípida, mesmo esse articulista

gostando de tramas de guerra e do ator Chris Pine.

Ser ou Não Ser, Eis a Questão.

"Tempo para Prosperar"

Na mesma semana em que Caio Castro, 25 anos, ator da Rede Globo que já assumiu nunca ter pensado em ser artista, deu uma polêmica entrevista pra jornalista Marília Gabriela se dizendo evangélico e não apreciador de literatura e teatro, só tendo contato por obrigação durante a oficina de atores da emissora, a famosa atriz canadense indicada ao Oscar Ellen Page, 26 anos, assumiu sua homossexualidade durante a conferência “Tempo para Prosperar” da Fundação Campanha pelos Direitos Humanos em parceira com a Associação Educação Nacional dos EUA e Associação Americana de Aconselhamento.

A pergunta que muitos fazem é “qual a importância disso?”. Afinal, cada um tem sua opinião, e Caio

Castro não é diferente de outros, e ele simplesmente não gosta de teatro e literatura, assim como não deve gostar de jiló. O que está em debate é a ética. Todos os profissionais têm a sua. Os artistas também, independente de suas opiniões. Um médico pode abominar o ato de abortar um bebê, mas não poderá negar socorro a uma mulher que sofra as consequências de um mal feito.

Pouco se fala sobre a ética de artistas. Sempre se lembra da excentricidade (por vezes uma ação antiética) deles. Mas um dos pais do teatro atual, Constantin Stanislavski discute o assunto dentro de seu sistema com o exemplo do jovem ator, fã de um veterano famoso que vivia um personagem muito íntegro no teatro com quem teve o privilégio de jantar, mas teve de aturar o ídolo bêbado, arrogante e ainda pagar toda a conta do jantar. A magia da arte imediatamente acaba ao se perceber que o artista não tem a menor responsabilidade social, apenas talento no palco. É um tema delicado, mas a função do ator é pesquisar questões que pertencem a todos (seja física, política, moral), com alguns sendo mais engajados, outros menos.

Miguel Falabella diz o que pensa, com razão.

  

é difícil achar uma foto do ator usando camisa

Caio Castro pode não gostar de teatro e literatura, e preferir fazer exercícios e tirar fotos do abdômen definido, mas ao causar a fúria de colegas de trabalho que começaram no teatro, e veem o teatro como o berço de todo ator, como Ingrid Guimarães, Pedro Paulo Rangel e Miguel Falabella, os desrespeitou. Sem contar aqueles que não expuseram sua indignação. Sem contar os jovens que acharão que ser ator é ter um corpo sarado, não estudar, e ser apenas celebridade. Concluímos que certas opiniões pessoais possam soar tão ultrajantes para alguns, e não agregar nada a outros, que o melhor seria guardar para si, e não dividir publicamente.

Mas Ellen Page vir a público falar de algo igualmente pessoal seria antiético? Muito pelo contrário. Um dos papéis do ator na sociedade é discutir o que importa, então um engajamento social de tal relevância é muito bem vindo desde que mais ajude que ofenda as pessoas, como é o caso. Ela começa o discurso na conferência que promove a segurança, inclusão e bem estar de jovens LGBTQ (lésbicas, gays, bissexuais, transgêneros e questionandos) em todos os lugares (lar, escola, comunidade) dizendo “é estranho que aqui estou eu, uma atriz, representando – pelo menos de alguma maneira – uma indústria que impõe padrões esmagadores em todos nós, não só em jovens, mas em todos. Padrões de beleza, de uma vida boa, de sucesso. Padrões que, eu devo admitir, têm me afetado”. Ela cita o questionamento da imprensa pelo tipo de roupa que usa, que julgam masculinas, no que responde que as usa por serem mais confortáveis. Assim como milhares de jovens oprimidos por alguns destes padrões e outros mais antigos que o cinema sem o menor contato com qualquer tipo de política pública, muitos deles espectadores de Ellen em filmes como “Juno”, “X-Men” e “A Origem” ou no videogame "Beyond: Two Souls" ela os representa ao se assumir dizendo “Estou aqui hoje porque sou gay. E porque talvez eu possa fazer a diferença. Para ajudar outros a ter um tempo mais fácil e esperançoso. Apesar de tudo, por mim, eu sinto uma obrigação pessoal e uma responsabilidade social”, e continua “Eu estou cansada de me esconder e estou cansada de mentir por omissão, eu sofri por anos porque estava assustada de me assumir. Meu espírito sofreu, minha saúde mental sofreu e meus relacionamentos sofreram. E estou aqui hoje, com todos vocês, do outro lado de toda esta dor”.

Direto da Telona: O LOBO DE WALL STREET

É possível não gostar de um ou outro filme da longa carreira do diretor Martin Scorsese, mas há algo que todos hão de reconhecer: o brilhantismo e a forma inspirada com que esse gênio constrói os seus filmes. O Lobo de Wall Street (EUA, 2013), lançado há pouco aqui no Brasil, é mais um ótimo exemplo disso.

Baseado na história de Jordan Belfort, um ex-corretor da bolsa, temos um longa que nos dá a mão e nos leva a passear por um mundo aonde o dinheiro é ganho de dia e gasto à noite, de forma despudorada e pelo simples prazer de mostrar que pode. Belfort é introduzido a esse mundo e, eficiente, começa sua própria empresa, com um objetivo claro: transformar o dinheiro dos seus clientes em seu! E aí já surge a inteligência de Scorsese, ao buscar o ridículo de cada uma das situações vividas pelo protagonista, tornando-as, de certa forma, mais palatáveis, mas sem, no entanto, demonstrar condescendência para com esses momentos.

DiCaprio, parceiro já algum tempo do diretor, dá vida ao protagonista, e o faz de forma competente. A transição do corretor iniciante e (quase) inocente para o lobo do título se dá de forma orgânica ao longo das quase 3 horas de filme e nos interessa cada vez mais saber qual o limite do corretor. Suas atitudes se perdem no meio de tantas festas, pó e sexo. Em uma cena fantástica, a bordo de seu iate, o ator mostra o quão tênue pode ser a sensação de vitória e o gosto amargo de uma derrota em um conversa com um oficial do FBI.

Carregado de palavrões em seus diálogos, o roteiro é bem sucedido em envolver o espectador, usando do artifício da narração em off, que por vezes é assumida pelo protagonista em uma conversa direta com o público, olhando nos olhos da platéia. Até nós, ali sentados, somos tratados com ironia e desprezo pelo personagem, que se vê acima de tudo e todos. Cenas como a do corte de cabelo de uma secretária e a de um 'esporte' envolvendo anões embrulham o estômago e a humilhação por que esses passam torna-se alheia rapidamente, constrangendo a todos.

Dessa forma, com escolhas acertadas e enfoques que passeiam entre o intimista e o escrachado, Scorsese desenvolve uma trama fazendo uso da comicidade que provoca o riso não pelo engraçado, mas pelo desprezo que passamos a sentir com relação a alguns personagens. O elenco também demonstra o dedo de ouro do diretor, que coloca Jonah Hill e seu jeito cômico em favor de seu personagem e a bela Margot Robbie que flerta com - mas nunca se entrega ao - clichê das personagens femininas em um filme de máfia. Vale citar também Matthew McConaughey, que em uma cena brilhante (estilo mestre-discípulo) coloca seu personagem como um dos mais marcantes da película.


Difícil terminar o longa indiferente a tudo o que se passa. É uma sensação de mãos atadas que dificilmente será esquecida. E Scorsese entende isso e nos brinda com uma impactante metáfora através de um close-up em uma criança. Está tudo na tela. Esperando pelo seu julgamento.

Globo e a polêmica Lei de Incentivo à Cultura (via Serra Pelada)

Hoje estréia na Globo a minissérie "Serra Pelada". Dirigida por Heitor Dhalia (revelado em "Nina", descoberto por um público maior em "Cheiro do Ralo", flertado com grande produção em "À Deriva" e internacionalizado com "12 Horas"), a obra conta a história de dois amigos de infância (vividos por Julio Andrade e Juliano Cazarré), que se mudam pro interior do Pará no ano de 1980 em busca de uma vida (muito) melhor em Serra Pelada, o maior garimpo dos últimos tempos, e acabam vivenciado o que ficou conhecido como a "febre do ouro", já que amizade e cumplicidade acabavam corrompidas pela ambição e obsessão num garimpo que mais lembrava um campo de batalha. Ainda estão no elenco as comentadas presenças de Wagner Moura (que teve de desistir de viver o protagonista, para ficar apenas com uma rápida participação), Matheus Nachtergaele e Sophie Charlotte. 

Mas não estamos aqui pra entrar no mérito da produção, porque antes de ser uma minissérie televisiva, "Serra Pelada" também foi um filme pra cinema. E é isso que queremos discutir. Com custo de R$ 8,4 milhões, o filme foi um fracasso visto por menos de 400 mil espectadores, arrecadando apenas R$ 4,1 milhões. Se mesmo com o apoio da Globo, pelo braço GloboFilmes, o filme não se pagou, nada anormal que ele ganhe um público mais amplo como minissérie. Isso se 81% do custo do filme não tivesse sido financiado por incentivo fiscal (ou seja, um dinheiro que não foi arrecadado pelo governo).

A Lei de Incentivo à Cultura (conhecida por Lei Rouanet) é o mecanismo de incentivo à cultura por renúncia fiscal, onde uma pessoa jurídica ou física pode ter até 100% do incentivo (desde que não ultrapassando os 4% pra empresa e 6% pra pessoa física) deduzidos no Imposto de Renda devido ao governo. Em troca do patrocínio, a empresa tem seu nome ligado e divulgado pelo projeto, que usualmente não se enquadra em programas do Ministério da Cultura.

O problema está no critério pra liberação da captação de valores destes projetos. Se a idéia é promover a cultura com projetos que possam agregar algo à comunidade, por que muitos dos projetos aprovados cobram ingressos exorbitantes? É o caso, por exemplo, da cantora Claudia Leitte que conseguiu aprovação pra captar quase 6 milhões de Reais pela Lei Rouanet, pra realização de cerca de 12 shows. Também foi o caso do musical teatral "O Rei Leão", que captou R$ 11 milhões pra um espetáculo com ingressos de, no mínimo, R$ 50.

"Serra Pelada" não é um caso isolado. Exibido como programação de Natal em 2012, "Xingu", outro fracasso do cinema nacional ganhou nova edição com cenas inéditas dividida em capítulos, além de "Gonzaga - De Pai pra Filho" no começo de 2013. Na primeira semana deste 2014 também tivemos a adaptação do clássico romance "O Tempo e o Vento", que segundo a Ancine custou R$ 14 milhões, sendo R$ 6,5 milhões financiados por incentivos fiscais. 

A Globo não concorda que o dinheiro público tenha financiado as minisséries, afirmando que foi a GloboFilmes, como co-produtora dos filmes, quem captou os valores via incentivos fiscais aplicados por empresas estatais (geralmente Petrobrás e Caixa), e o acordo prevê exclusividade da emissora na exibição dos filmes. Mas ficou evidente que tenham vendido o material como algo inédito, e produzido pela casa. E talvez pior, lucrando com, por exemplo, duas cotas de patrocínio de R$ 750 mil apenas em "O Tempo e o Vento".

Forçando o pensamento positivo (ou apenas constatando), temos produções cinematográficas que não atingiram toda a sociedade, mas que contam um pouco da história do país por ações políticas, sociais, musicais ou literárias. E também temos produções que valorizaram e utilizaram mão de obra e artistas brasileiros. Como comparação temos a principal rival da emissora carioca, a paulistana Record, que adquiriu os direitos da inegável obra-prima "Breaking Bad", que é uma produção televisiva americana e totalmente importada, pra rivalizar com as minisséries financiadas pela Lei Rouanet.

Golden Globes 2014

E aí galera, curtiram a cobertura da LdP na nossa página do Face?

E os seus favoritos? Venceram?

É impossível agradar a todos e, convenhamos, ali estão os que se saíram melhor no ano anterior. Eu sei que sempre falta algum aqui e ali, mas, de forma geral, a maioria que é indicada se sustenta em sua categoria. Ainda assim, existem algumas situações que me soam controversas...

Como o melhor diretor não dirigiu o melhor filme? Seria culpa do restante da produção o fato do prêmio ir parar nas mãos de outro?

E os fatos reais, interferem nos resultados? É bem verdade que foi muito alardeado o fato de a maioria dos grandes concorrentes serem baseados em fatos reais, mas, ainda assim, será que os juízos de valores que as pessoas possam ter com relação a um ou outro personagem real podem influenciar nas escolhas?

E os prêmios da TV? Esse sim é um terreno bem arenoso. É uma gama tão grande de opções que nos pegamos diminuindo a vitória de um pelo simples fato desta impossibilitar a vitória do nosso favorito. House of Cards é estupenda, mas Breaking Bad merecia o prêmio pelo fechamento com chave de ouro que teve. Sim, essa é a minha verdade, mas e tudo que House of Cards fez sendo oriunda do NetFlix, também não implicava em merecimento ao prêmio?

Cate Blanchett, Amy Adams, Jennifer Lawrence (!!!), Leo DiCaprio, Matthew McGonaughey, Jon Voight, todos ótimos atores. Os filmes? Nem todos chegaram ao Brasil ainda, mas parecem ser interessantes. Sheldon não ganhou? Ok, talvez já o tratem como 'hors concours' e não votem mais, rs. E os minions, não conseguiram vencer o gelo da Disney? Ok, isso não quer dizer que Meu Malvado Favorito 2 não seja uma boa animação. Sorte nossa que podemos acompanhar a todos esses e mais Bryan Cranston, Jared Leto, Robin Wright, Alfonso Cuaron, etc, etc, etc, etc.

Enfim, clique aqui e confira todos os vencedores. Comente o que achou e quais foram as suas 'injustiças'. Muitos desses atores/atrizes devem figurar logo logo em algum post por aqui ou no nosso podcast. Não deixem de acompanhar!

Chastain e Bigelow fazem A HORA MAIS ESCURA brilhar!

Tela escura e silêncio. Repentinamente somos surpreendidos por diversas gravações de voz. Não é preciso muito tempo para que quem viveu o momento o reconheça: 11/09, o ataque terrorista mais ambicioso da história! Saltamos dois anos a frente e a primeira imagem que vemos nos coloca em uma sala de "interrogatórios", que logo se transforma em sala de tortura. Nossa protagonista aparece, com o rosto encoberto e tenta lidar com as imagens a que assiste. Com essa bela metáfora sobre o que justifica nossas ações e até que ponto estamos confortáveis em assumir tais ações, Kathryn Bigelow introduz seu novo filme, A HORA MAIS ESCURA (Zero Dark Thirty, 2012), filme que ela mesma definiu como a história da procura da uma agulha muito afiada em um palheiro gigantesco.

Repetindo a parceria (de GUERRA AO TERROR) com o roteirista Mark Boal, Bigelow conta como Maya (Jessica Chastain) dedicou anos da sua vida na busca do líder terrorista Osama Bin Laden. Era de se esperar que um filme como este exagerasse no patriotismo, mas Boal soube criar uma trama quase que documental. Somos levados, num passo a passo intrigante e inquietante, à descoberta do paradeiro do chefe da Al Qaeda enquanto acompanhamos o oscilar de uma agente da CIA entre a frieza e a desolação.

O roteiro perpassa diversos momentos que acompanhamos nos noticiários, desde atentados em Londres e em uma base dos EUA até pronunciamentos de Obama condenando o uso de tortura como método para obtenção de informação. Bigelow aproveita o excelente elenco (James Gandolfini, Kyle Chandler e Mark Strong, entre outros) para mostrar o quanto o ataque mexeu com os egos da inteligência norte-americana. Em certo momento, quando questionado por um de seus subalternos quanto à capacidade intelectual de Maya, o chefe da CIA retruca: na CIA, todos somos inteligentes!

Aproveitando a atuação equilibrada de Chastain, Bigelow mostra didaticamente o que move essa mulher, sem no entanto recorrer a lições maniqueístas. Maya quer prender o ser que pode, a qualquer momento, reaparecer e abalar o seu mundo.

Tecnicamente, o filme segue o já bem sucedido GUERRA AO TERROR. A fotografia, belíssima, ressalta a desolação do mundo de Maya e o viés encorajador que seu trabalho tem em sua vida. As situações por que passa a mostram cada vez mais preparada para lidar com os problemas, falando um palavrão para ganhar a atenção do chefe, rabiscando números em um vidro ao cobrar agilidade de outro ou mesmo quando tira o capuz, aquele do começo do filme, para encarar o interrogado frente a frente. Bigelow entrega a Chastain cenas singulares em que esta, com um belo olhar ou com a postura envergada pelo peso da responsabilidade de reconhecer se o alvo foi abatido, nos lembra o porque de toda aquela ação. Enquadramentos inteligentes tiram dos diálogos a necessidade de explicar qualquer coisa. Uma progressão de humores e sentimentos.

A bela fotografia ilustra o mundo de Maya

Destaque para as brilhantes cenas do atentado em um ônibus em Londres e do tiro fatal em Bin Laden. O soldado fica incrédulo - atitude que seria repetida por todos que ouviriam a notícia ao redor do mundo - diante do que acabara de fazer. Ele sabe que entrou para a história. Ele sente que, finalmente, uma história que começara em 2001 terminava.

Maya entra em um avião e encosta em um fundo vermelho e branco, que não por acaso lembra a bandeira dos EUA. Uma lágrima escorre por seu rosto e com ela, vai embora o peso de seu trabalho. Seu olhar diz tudo: a agulha foi encontrada.

Ponto final.

Enquadramentos cheios de significado

Direto da Telona: Meu Namorado É Um Zumbi, ou Quando Deixamos de Sentir

Ele ainda está morto, mas está esquentando

Quando começou a divulgação da adaptação do livro Sangue Quente de Isaac Marion, tudo apontava para uma versão zumbi de Crepúsculo, mas eis que o primeiro trailer revelava um filme bem humorado, que então se aproximaria muito mais de elementos do ácido Shaun of The Dead - Todo Mundo Quase Morto, que mostra o apocalipse zumbi como uma consequência de uma sociedade paralisada, e do pouco visto Fido - O Mascote, que acompanha a amizade de um garoto e seu zumbi de estimação. E este é um dos trunfos deste Meu Namorado é um Zumbi.

Sob a narrativa e o ponto de vista de um jovem zumbi que só lembra que seu nome começa com R, descobrimos que o mundo está tomado pelos mortos-vivos, e que eles evoluem para temidos esqueletos.   Mas mesmo soltando piadas, R precisa se alimentar como qualquer morto-vivo, e num destes ataques ele se apaixona pela namorada de um de suas vítimas, e começa a protegê-la. Ao se alimentar do cérebro do namorado da moça, além de ajudá-lo a entendê-la e conquistá-la, o ajudará a se sentir vivo novamente, causando uma reação em cadeia entre os zumbis.

Era só zoação

Os zumbis do filme repetem ações de quando eram vivos (coisa que o próprio George Romero já experimentou), e tem uma agilidade maior que o usual no gênero. Além da maquiagem simplesmente trash da grande maioria deles, o figurino deles não é aquele deteriorado visto em The Walking Dead. Mas tudo isso a favor de um desenvolvimento a favor dos zumbis, porque apesar do título em português sugerir que a trama se desenrola em torno da moça viva, são os mortos quem passarão por uma transformação.

Eu, você e os zumbis...

É preciso destacar que o filme não seria divertido se Nicholas Hoult (Um Grande Garoto, X-Men: Primeira Classe, e os vindouros Jack - O Matador de Gigantes e Mad Max - Fury Road) não tivesse entendido que R é um zumbi, mas com muita humanidade. O personagem coleciona coisas, e escuta discos de vinil, ou seja, ele já estava a um passo da humanidade antes de se apaixonar. E a química dele com a linda e subestimada Teresa Palmer (Aprendiz de Feiticeiro, Eu Sou Número Quatro), que de tão parecida com Kristen Stewart só ajuda a brincar com o fenômeno Crepúsculo, é qualquer coisa nada melosa. Ah! O filme também tem John Malkovich no elenco, mas apesar de ele não estar de todo mal, é evidente que tinha algumas contas atrasadas.

"Pareço assustador, mas quero que me ame"

Mas o grande trunfo do filme fica subentendido entre cenas de ação e comédia bem feitas pelo promissor diretor Jonathan Levine, que despontou com 50%; Pelas ótimas aparições de Rob Corddry (da série Childrens Hospital) como o melhor amigo de R; e a vocação em brincar com elementos do cinema B: a mensagem de que talvez nos tornamos intolerantes, sem tempo (não à toa grande parte do filme se passe num aeroporto tomado por zumbis sem rumo) e insensíveis o suficiente pra não nos amarmos, nos respeitarmos e no mínimo nos olharmos e perguntar "O que é você?" ("What r u, R?" no original).

Direto da Telona: Os Miseráveis, ou Les Mis

A cena de abertura dessa adaptação cinematográfica do musical francês que ficou conhecido por sua versão em inglês, que por fim adapta o clássico livro de Victor Hugo mostra um porto feito em computação gráfica e se aproxima de prisioneiros acorrentados puxando um navio um enorme navio, e esse é um dos exemplos da contradição de um filme que pretende ser realista. Mesmo acusado de não entender da linguagem do cinema, Tom Hooper venceu o Oscar de direção do ano passado por O Discurso do Rei, e não pode ser acusado de não saber "vender seu peixe". Saído da tv britânica, ele despontou como um querido de Hollywood pelo bom desempenho da minissérie  John Adams da HBO nas premiações, e aproveitou-se pra continuar a mexer com momentos históricos. Mas fica claro que seu ponto positivo é definitivamente dirigir atores.

A conhecida história fala do santo e ladrão de pão Jean Valjean, que condenado foge e se torna o prefeito de Paris, mas é perseguido pelo intolerante Inspetor Javert. No seu entorno estão os miseráveis do título (ele incluído): uma jovem forçada a se prostituir e sua filha, estudantes revoltosos, golpistas, sonhadores...

Fantine é a única coitada que usa rosa. De boas intenções...

Sem o menor pudor, o diretor fez o dissonante elenco deste Os Miseráveis cantarem ao vivo e se entregarem o máximo possível (leia-se: por vezes exageradamente) a seus personagens a fim de uma estética realista, mas o próprio diretor escolhe ângulos pouco convencionais ao estilo minissérie bíblica da Record que não aproveitam os incríveis cenários e figurinos, e algumas narrativas que nada ajudam. Quando os pobres cantam "At The End of The Day", o diretor tenta ilustrar suas palavras, como se os espectadores não entendessem, e isso vai se repetindo até mesmo em lágrimas. Quando Russell Crowe canta "Stars"e a canção-spoiler no final, a inquieta câmera escolhe um estranho ângulo que mostre o céu estrelado (e digital) que o personagem menciona. Como se trata de uma adaptação, o diretor deveria ter percebido que certas passagens que funcionavam no teatro, não teriam o mesmo peso nas telas. Por mais triste que possa parecer, a Fantine de Anne Hathaway vai ao fundo do poço muito rapidamente, fazendo o ótimo trabalho da atriz parecer forçado, pois não há tempo pro público sequer acreditar nesta mãe desesperada.

Quase um "Píramo e Tisbe" no meio da revolução francesa

É um filme de ator? Assim como o irregular O Discurso do Rei, sem dúvida. Hugh Jackman está insubstituível como Jean Valjean, e merecia uma indicação ao Oscar. E talvez Russell Crowe também tenha sido a melhor escolha pro sádico e perturbado Javert, trazendo todo o conflito e fragilidade do personagem em seu jeito desengonçado e forçado de cantar. Mas não sei se diria o mesmo do resto do elenco. Anne Hathaway nunca interpretou uma mãe antes, e além do roteiro não colaborar com o desenvolvimento de sua Fantine, sua atuação está apoiada na mudança física e repentina da personagem, e na muito bem cantada, mas estranhamente filmada "I Dreamed a Dream". Saída da última versão teatral, Samantha Barks que canta muito bem a subestimada Éponine tem cabelos maravilhosos pra uma miserável, e um estilo latino que difere demais dos à vontade (até demais) Sacha Baron Cohen e Helena Bonhan Carter que fazem seus pais golpistas. E o que dizer da linda Amanda Seyfried, vazia na superestimada personagem Cosette (é como se o diretor tivesse assistido Mamma Mia e se apaixonado por ela, como o resto do planeta, mas esquecido de que ela é demais pro papel).

Crowe e Jackman; dois lados da sociedade (mas sempre cantando)

Num plano geral, esse Os Miseráveis é bastante interessante, e soube se vender bem. Honra as cores do musical do qual vem, mas perde por não ter personalidade própria (como Chicago o teve), como por exemplo optar por não cantar algumas partes que ficaram claramente estranhas filmadas (lembre-se que o filme tem somente uma canção coreografada), e deixar uma longa cena de batalha sem canções (que pro público serve de respiro pra tanta cantoria) somente pro ato final.

"Não, não estamos num filme do Tim Burton..."

A enorme vontade de fazer o público se emocionar, e cenas que fariam Chico Xavier ficar orgulhoso impede que o objetivo principal de Victor Hugo se concretize: fazer o público refletir sobre essa miséria, onde a maioria da população vive como selvagens se atacando e se ofendendo por qualquer coisa. Sim, o musical no teatro consegue causar alguma reflexão, então o filme também conseguiria, se não ficasse tão preso em ser apenas comercial.

DIRETO DA TELONA: As Aventuras de Pi

A obra de Scliar e Martel: plágio?

Um garoto que sobrevive ao naufrágio do barco que o está levando para outra terra onde existe a promessa de uma nova vida, tem que dividir o bote salva-vidas com uma fera. Se você pensou em As Aventuras de Pi, errou!

Essa é a história do livro do autor brasileiro Moacyr Scliar, Max e os Felinos, que serviu de inspiração, segundo o autor Yann Martel, para o seu Life of Pi.

Claro que as coincidências das histórias levam a pensar em plágio, o que é realmente plausível.

As Aventuras de Pi tem
 11 indicações ao Oscar

Dois garotos que sobrevivem ao naufrágio de um navio - um deles saindo da Alemanha indo para o Brasil, o outro indo da Índia para o Canadá. Ambos os navios cheios de animais: um deles vindos de um circo, o outro de um zoológico. Os garotos precisam sobreviver num bote no meio do oceano dividindo esse bote com uma fera: um jaguar no caso do alemão, e um tigre-de-bengala no caso do indiano. São coincidências demais pra não suspeitar de plágio.

Apesar da polêmica, Scliar decidiu não processar o autor canadense pelo seu Life of Pi, que acabou virando um longa na mão do diretor premiado com o Oscar por Brokeback Mountain (2005) Ang Lee e o não tão elogiado Hulk (2003).

As Aventuras de Pi é um filme para ser apreciado, apesar da mancha de plágio que cerca a obra literária, pois Ang Lee explora os efeitos especiais de maneira a nos deixar boquiabertos com um show de cores e tons. Infelizmente não pude assistir esse filme na sala 4D, mas teria sido uma experiência interessante, visto que a cena do naufrágio e das mazelas que o garoto Piscine Patel, ou apenas Pi, tem que enfrentar em seu bote são de movimentos que variam do singelo ao intenso em poucos segundos.

O uso de cores no filme é intenso!

A história que começa na Índia, uma parte colorida e com uma seqüência divertida sobre o nome do garoto Pi que se perde na tradução para o português. Assiti ao filme no idioma original e insisto que se você não quer perder esse ótimo jogo de palavras, não assista ao filme dublado - no meu ponto de vista, uma praga que tem invadido os cinemas brasileiros!

Após anos lutando para manter o zoológico da familia aberto, o patriarca decidi mudar-se com todos para o Canadá, inclusive com a bicharada. Mas no meio da viagem, uma tempestade acaba por afundar o navio e Pi se vê sozinho dividindo o bote salva-vidas com um tigre-de-bengala, ou Richard Parker.

Tolerância para a sobrevivência

A partir desse momento, ambos passam os momentos se estudando, tudo em nome da sobrevivência.

É certo que toda a magia da história, que está sendo contada por um Piscine agora estabelecido em Montreal para um jornalista incrédulo ao que ouve, também o fará pensar se toda essa experiência não é uma invenção de uma mente perturbada por tanto tempo à deriva no oceano, porém aos que gostam de filmes que não trazem respostas prontas, As Aventuras de Pi é um prato cheio.

A beleza do filme, com imagens de tirar o fôlego, não se resume apenas ao visual, mas no conflito que todos trazemos sobre o que pode acontecer quando nossa sobrevivência está em risco.

É claro que a As Aventuras de Pi, indicado ao Oscar em 11 categorias incluindo Melhor Filme e Diretor, não é apenas um filme de visual estonteante, mas de expor nossas reações diante dos "Richard Parkers" de nossa existência, seja diante da ditadura como no livro de Scliar, ou de outras feras.

Filme: As Aventuras de Pi (EUA, 2012)

Direção: Ang Lee

Elenco: Suraj Sharma, Irrfan Khan, Adil Hussain, Rafe Spall, Gérard Depardieu

Gênero: Aventura, Drama

Direto da Telona: O LADO BOM DA VIDA

O LADO BOM DA VIDA (Silver Linings Playbook, 2012), produção de David O. Russell (O Vencedor), é um filme preocupado com seus personagens. Sendo uma das marcas do diretor deixar os atores mais à vontade - sem grandes interferências - torna-se possível que esses desenvolvam suas personas ficcionais a contento, deixando-nos a vontade para também classifica-lo como um filme de atuações. E as dessa película não decepcionam.

Bradley Cooper é Pat Solitano, um paciente bipolar - que em uma de suas crises quase comete uma fatalidade - tentando de toda forma uma reunião que ao seu ver é inevitável. Jennifer Lawrence vive Tiffany, mulher que transforma sua dificuldade em superar a morte do marido em agressividade direcionada ao mundo. E é essa condição psiquiátrica desbalanceada em comum e a busca por sua superação que os une, ainda que se estranhem inicialmente. Por meio de amigos, os dois se envolvem em um jogo que visa a melhora (ou seria o benefício?) de ambos.

Na película, o diretor acerta ao dar espaço para as fantásticas interações entre Cooper e Lawrence. Seus diálogos - afiados, bem humorados e carregados de emoção e sarcasmo - são declamados como enxurradas, envolvendo todos ao redor, inclusive o público. O trabalho de movimento corporal e os olhares e indagações são impressionantes. Nunca estive frente a frente com alguém com transtorno bipolar, mas Cooper convence em sua angústia, em especial em uma cena em que contesta o final de um livro de Hemingway.

Mesmo abordando temas sérios, o filme desenvolve humor de sobra em seu material. Sua montagem privilegia os diálogos rápidos, mas nem por isso rasos, dos atores. Pelo contrário, vemos as características de cada personagem transbordarem na forma como se expressam, seja em um pai com transtorno obsessivo-compulsivo voltado para seu fanatismo por futebol americano (com uma ótima atuação de Robert De Niro, como há muito não se via), ou em uma mãe dedicada à melhora do filho, ou mesmo no amigo, doidinho, que entende Pat tão bem (com o divertido Chris Tucker), expoentes no ótimo elenco de apoio. Divirta-se com a cena da "aposta", em que todos falam ao mesmo tempo, a melhor do filme na minha opinião.

O clímax torna-se memorável por não ser exagerado ou carregar demais nas ações. Engraçado, é um momento que defende firmemente a positividade, tão repetida por Pat ao longo do filme. Com inteligência e sem apelar para a breguice, o diretor - e todos os envolvidos na produção (com destaque para uma ótima trilha sonora) - conseguem trazer um humor comedido e oportuno para uma trama carregada e pesada. A sensação é a de assistir a um road movie sem a estrada. É um rito de passagem, e o resultado é encorajador.

Star Wars Episódio VII, ou "Luke, Mickey Mouse Is Your New Father"

Após comprar a Marvel em 2009 por 4 bilhões de dólares, a Disney engoliu outra gigante em outubro passado por outros 4 bilhões de dólares: LucasFilm (a casa de Star Wars). 

Segundo George Lucas, o dono da LucasFilm e criador de uma das sagas de ficção científica mais poderosas e influentes do mundo "É hora de eu passar Star Wars para uma nova geração de cineastas. Sempre achei que Star Wars viveria além de mim, e eu penso que é importante montar a transição enquanto eu estou vivo. O alcance da Disney vai dar à LucasFilm a oportunidade de trilhar novos caminhos em cinema, TV, produtos interativos, parques temáticos, produtos ao vivo e outros direto ao consumidor". Tudo isso não quer dizer que Lucas está prevendo sua morte, apesar dela ser iminente, mas quer dizer que seremos bombardeados de produtos Star Wars nos próximos anos, além da série animada exibida pelo canal Cartoon Network, e dos jogos de videogame.

Entre os planos de Lucas antes da venda, havia uma série de TV com atores, centrada nos rebeldes e sobreviventes após os eventos de Episódio III, e a possibilidade da série vir a ser produzida pelo canal ABC (do conglomerado Disney) aumentou.

Mas a surpresa de todos foi a revelação de que a prioridade após a compra seria a produção de um Episódio VII. Surpresa, já que teoricamente toda a saga de Darth Vader (personagem-chave dos primeiros 6 filmes) e sua prole foi concluída. Seria então um recomeço dentro daquele universo de naves, sabres de luz, Siths, Jedis, Império, etc? Não importava. Todos queriam saber quem seria o diretor, já que George Lucas estava passando o cargo para um diretor mais jovem, e a partir daí fazer especulações.

Com negociações acontecendo mais rápido que o esperado, choveram rumores de diretores responsáveis pelo filme. O nome de Zach Snyder (diretor de 300, Watchmen, Sucker Punch e Homem de Aço) foi mencionado, mas logo veio a notícia de que seria uma filme baseado em Os Sete Samurais, clássico absoluto de Akira Kurosawa, que já foi adaptado pela Pixar na animação Vida de Inseto, e que seria um projeto para depois da estréia de Episódio VII, mas que também depende do sucesso ou fracasso de Homem de Aço em julho.

Esta semana o mistério acabou, e apesar de ter negado anteriormente, o diretor do recomeço de Guerra nas Estrelas será mesmo Jeffrey Jacob Abrams (ou J.J. Abrams). Peraí! J.J. Abrams não é o diretor de Star Trek (vulgo o reboot de Jornada nas Estrelas no cinema), e sua continuação Star Trek - Into The Darkness que estréia em maio? Pois é, ele mesmo.

Traidor ou não, ele é um nerd viciado em ficção científica assumido. E apesar da carreira de diretor de cinema ser recente (ele estreou com Missão: Impossível 3 em 2006), sua capacidade como produtor e diretor de TV (Felicity, Alias e Lost), além do sensacional recomeço de Star Trek, também ajuda a nos acalentar de que o novo filme estará em boas mãos, apesar de todos os riscos para sua carreira.

Em tempo: George Lucas (o ainda consultor criativo da LucasFilm) é amigo de Steven Spielberg, que foi homenageado por Abrams em Super 8, também produzido por Spielberg.